Барокко — один из значимых стилей в культурной жизни Европы. Наибольшей популярности он достиг в таких странах, как Германия, Испания, Россия, Франция. Родиной его считается Италия. Эпоха барокко охватывает около двух столетий — с конца 16 до середины 18 века.
К отличительным чертам данного стиля относятся напыщенность, торжественность и парадность. Причем барокко охватывает не только художественное творчество, литературу и живопись, но и образ мышления человека, его существования, а также в какой-то мере и науку.
Произведения данного времени экспрессивны и выразительны, им присуща изощренность форм, создание иллюзорного пространства, а также причудливая игра тени и света.
Эпоха барокко дала жизнь науке. Именно в это время начинают свое развитие биология, анатомия, физика и химия, другие дисциплины. Ранее их изучение жестоко каралось служителями церкви.
Войны, эпидемии различных болезней, таких как чума и оспа, различные религиозные конфликты привели к тому, что человек чувствовал себя незащищенным и растерянным. Его будущее было неопределенным. Все больше и больше умы охватывали различные суеверия и страхи. В это же время церковь раскалывается на два религиозных лагеря — протестантов и католиков, что также порождает немало склок и баталий.
Мастер-класс по итогам реализации проекта «Центр компетенций «Мы просвещаем». Опыт Бирской епархии
Все это приводит к новому пониманию Господа как Творца мироздания. Бог рассматривался лишь как создатель насущного, человек же управлял живым и неживым.
Эпоха барокко также характеризуется активной колонизацией — образовываются английские поселения в Старом и Новом Свете.
Архитектура того времени богата колоннадами, изобилием различных украшений на фасадах и в интерьере. Также преобладают многоярусные купола сложной, многоуровневой структуры. К наиболее известным архитекторам того времени относятся Микеланджело Буонарроти, Карло Мадерна, Николай Султанов.
В живописи этой эпохи преобладают религиозные и мифологические мотивы, а также парадные портреты. Довольно часто на картинах изображалась Мадонна, окруженная ангелами. Наиболее знаменитые художники эпохи барокко — Микеланджело Меризи, Иасенто Риго, Диего Веласкес, Питер Пауль Рубенс.
Именно в это время зарождаются такие музыкальные жанры, как опера, фуга. Музыка становится более экспрессивной. Композиторы эпохи барокко — Иоганн Себастьян Бах, Антонио Вивальди, Джованни Габриели. Как видно, много выдающихся личностей творило в то время.
Эпоха барокко – одна из наиболее значимых в истории развития человечества. Именно в это время зарождаются новые стили и направления в искусстве: литературе, музыке, живописи, архитектуре. Формируются новые взгляды на религию и человека. Возникают новые направления в науке.
Функции
Несмотря на некую напыщенность, этот период подарил мировой культуре множество памятников культуры, кои высоко ценятся и в наше время. Имена мастеров и деятелей искусства эпохи барокко до сих пор гремят на весь мир.
Закономерным продолжение этого стиля стал рококо, сформировавшийся в первой половине 18 века. Ему удалось сохранить свои позиции вплоть до конца 18 столетия.
Источник: fb.ru
Как появился стиль барокко и почему с ним надо быть осторожным
Барокко в архитектуре и интерьере: как добиться гармонии
Максим Лаврентьев писатель и культуролог, выпускник Литературного института, художник-любитель
Путешествуя по Италии и другим европейским странам, мы постоянно сталкиваемся со стилем барокко — дворцы и мебель в них, церкви и живопись. Как началась эпоха барокко, почему стиль барокко актуален до сих пор и как использовать барокко в интерьере, чтобы он выглядел гармоничным?
Ежедневно, где бы мы ни находились, нас окружает барокко. Стоит лишь присмотреться, оно тут как тут — в изогнутых линиях венского стула, в пестром узоре китайской вазы, в любых неровностях и шероховатостях.
Вечное барокко. Назовем его так, отличив от барокко исторического — главенствующего направления в европейском искусстве XVII–XVIII веков.
По-итальянски barocco означает «причудливый», «странный», «нелепый». Видимо, правы те, кто настаивает на заимствовании слова из португальского языка, где pérola barroca обозначает жемчужину неправильной формы. Запомним это и углубимся в историю.
Две вещи потрясли умы европейцев в первой четверти XVI столетия — Реформация, начатая выступлением доктора богословия Мартина Лютера в октябре 1517 года, когда он прибил к дверям виттенбергской Замковой церкви свои знаменитые «95 тезисов» против злоупотреблений католицизма, и создание Николаем Коперником нового учения — гелиоцентрической системы мира, слухи о котором широко распространились уже в 1520-х годах.
То и другое с разных сторон подрывало тысячелетний авторитет Ватикана, внушавшего западным христианам строго определенный взгляд на мир и на место человека в нем.
И еще одно событие, произошедшее 6 мая 1527 года, произвело сильнейшее впечатление на современников. В тот день, в ходе так называемой войны Коньякской лиги, разноплеменное войско императора Карла V ворвалось в Рим и устроило натуральный погром, перебив охранявшую Ватикан швейцарскую гвардию и осадив едва спасшегося папу Климента VII в замке Святого Ангела.
Варварское разграбление Вечного города, сравнимое с нашествием вестготов Алариха, вызвало в Европе настоящий культурный шок и наложило своеобразный отпечаток на итальянское, а затем и на все западноевропейское искусство, характерными чертами которого сделались динамизм, деформированность пропорций, изломанность линий (так называемая змеевидная линия), наконец, сублимированный эротизм, пришедшие на смену умиротворенной ренессансной гармонии.
Эта чисто эмоциональная реакция совпала с реакцией политической: денег на новые циклопические постройки разгромленному Риму не хватало, поэтому новым папам для поддержания имиджа «столицы христианского мира» пришлось прибегнуть к маскировке. Обратились к художникам, а те в свою очередь — к необычным выразительным средствам. Так возник и сложился «странный», вычурный стиль раннего барокко (маньеризм), подменявший идею «причудами» и за броской витиеватостью скрывавший онтологическую пустоту.
Но в творчестве отдельных мастеров искусство вновь пробило себе дорогу наверх. Один из наиболее ярких примеров — «Иоанн Креститель» Эль Греко. На полотне 1579 года (церковь Санто Доминго эль Антигуо, Толедо, Испания) св. Иоанн еще втиснут в каноны барокко: пропорции фигуры нарушены формально, без всякого подтекста, это нарушение ради нарушения. Через 20 лет Эль Греко вернется к библейскому образу, и его мысль поразит смелостью, далеко опередившей время.
Вариант второго «Крестителя» демонстрируется в ГМИИ им. А. С. Пушкина. Святой и здесь изображен в полный рост и, на первый взгляд, чудовищно растянут в длину. За спиной у Иоанна маячит нарочито миниатюрный пасторальный пейзаж, возле ног свернулся крошечный агнец, — все это подчеркивает непомерную высоту стоящего. Зачем?
Присмотритесь. Перед нами оптическая иллюзия или, если хотите, геометрия Римана в действии: худощавый человек на картине — обыкновенного роста, но на него как будто наставлено увеличительное стекло. Ноги с выпирающими икрами в таком случае должны визуально оказаться далеко внизу, туловище — бочкообразно расшириться, а голова, наоборот, выглядеть относительно небольшой. Мысль художника ясна: Иоанн, избранный для великого подвига, — обычный пастух, и в то же время он — гигант духа в «прицеле» направленного на него из вечности Божьего Ока.
Диспропорция, дисгармония, надлом, надрыв, витиеватость, гипертрофированная чувственность. Так можно охарактеризовать не только ушедшее в прошлое историческое барокко, но и актуальный ныне постмодерн, все бесцеремоннее проникающий в наши жилища. К нему, как и вообще ко всякой дисгармонии, нужно относиться с разборчивостью и осторожностью; отстаивать с пеной у рта преимущество всего оргиастического, экспрессивного — значит, идти по гибельному пути Ницше, приведшему немецкого философа не к творческому, а, увы, к самому настоящему безумию.
Взвешенное определение гармонии дал в 1930-х годах другой философ, русский, — Яков Друскин. Вот оно: «Некоторое равновесие с небольшой погрешностью» — то есть по сути все та же, уже знакомая нам, жемчужина неправильной формы. «Небольшая» — ключевой эпитет. Друскин входил в круг ленинградских философов и литераторов-авангардистов, где сформировалась поэтика Николая Заболоцкого, Даниила Хармса и Александра Введенского, творчество которых, пройдя сложную эволюцию, устремилось к высокой классике.
Источник: www.7ya.ru
Почему искусство барокко до сих пор удивляет нас иллюзией достоверности и как отличить его от Возрождения по пяти нарушенным правилам
Как отличить «правильное» возрожденческое изображение от «текучего» барочного? Всё просто! Предлагаем рассмотреть известные картины барокко через призму пяти приемов: пятно против линии, глубина против плоскости, открытые формы против замкнутых, множественность против единства и неясность против ясности. Можете водить экскурсии для друзей!
Когда выяснилось, что Земля вращается вокруг Солнца, за океаном лежит неизвестный континент, а Италия пришла в упадок, человек эпохи Возрождения стал терять былое величие. Искусство Ренессанса сменилось стилем барокко. Новые мастера писали не статичную гармонию, а движение и текучесть, не идеализированное тело, а земное и дышащее, не «как есть», а «как кажется».
Новое поколение художников во многом спорило с предшественниками, предлагая принципиально иной взгляд на мир и, соответственно, иной способ его изображения.
Иногда современники отзывались о барочной живописи как о вычурной и напыщенной, «испорченной» по сравнению с живописью Возрождения. В то время как другие охотно платили за работы, которые нарушали канон.
Барокко получило признание как отдельный стиль только в конце XIX — начале XX века, когда уже сошло с авансцены. Основы его изучения заложил швейцарский искусствовед Генрих Вёльфлин. Он изобразил развитие художественной мысли в XVII веке как антитезу Возрождению, противостояние с прошлым, и подчеркивал, что нельзя думать, будто один стиль лучше, совершеннее, правильнее другого — это «кардинально различные способы видеть».
Пользуясь изобретенным Вёльфлином методом формального анализа, постараемся понять, что нового открыло искусство барокко, в чём его очарование и как оно повлияло на последующие эпохи.
Линия vs пятно
Художники Возрождения считали рисунок основой изображения, линию — «водительницей глаза». Зритель, рассматривая полотно, двигается взглядом по контурам предметов, как бы ощупывая их. Живописцы, чтобы усилить этот эффект, прорисовывали границы фигур, отделяя их от фона. При таком графическом способе изображения персонажи и предметы выглядят самоценными, замкнутыми в себе, неподвижными.
Напротив, художники барокко растушевывали контуры, чтобы фигуры выглядели цветными пятнами, «выплывающими» из фона. Лишенные линий-границ, предметы утрачивают неподвижность, сливаются и взаимодействуют, они больше не изолированы друг от друга.
Глаз зрителя, вместо того чтобы двигаться по начертанным контурам, обращается в первую очередь к самым светлым и ярким участкам полотна, где и происходят основные «события» картины.
Благодаря этому возникает эффект жизнеподобия, реалистичности изображения. Ведь в естественных условиях человеческий глаз не видит предметы во всех деталях, как они есть, а выхватывает основное: самое яркое, самое освещенное, то, что движется или интересует нас в данный момент, — остальное мы домысливаем.
Например, на портретах Рубенса детали — элементы одежды, украшения, кружева — кажутся тонко прорисованными. Но если приглядеться, это совокупность красочных мазков, пятен цвета.
Избавляясь от контуров, с помощью света и тени живописцы барокко достигают эмоциональности и драматизма, несвойственных «классикам». Художник, как сценограф, управляет нашим вниманием, выделяет главное и скрывает второстепенное в полумраке.
Плоскость vs глубина
Плоскостное изображение, свойственное Ренессансу, конечно, не означает отсутствия перспективы и объемности.
На картине присутствуют передний, средний и задний планы как параллельные «слои», которые зритель созерцает фронтально и последовательно. Барочное изображение заставляет смотреть вглубь, «перескакивая» первый слой, переходя сразу к главному.
Скажем, у Вермеера на переднем плане изображена занавеска или стол, а персонажи находятся в глубине картины, на расстоянии от зрителя.
При этом фигуры располагаются не на одной линии, а диагонально или группами, которые композиционно связывают ближний и дальний планы. Это усиливает впечатление глубины пространства, возникает напряжение и динамика. Освещение, перспектива, элементы пейзажа — всё работает на этот эффект. Изображение оживает, и зритель чувствует себя уже не отрешенным созерцателем, а свидетелем, возможно, невольным, сцены из чужой жизни.
Замкнутая форма vs открытая форма
Замкнутость произведения искусства предполагает, что оно представляет собой единое целое, ограничено самим собою и само себя объясняет. Открытая форма, наоборот, противится ограничению, «выводит глаз за пределы картины», по выражению Вёльфлина.
Иногда кажется, что барочное полотно обрезали не там, где нужно, например, не уместилась нога персонажа: целостность больше не является самоцелью.
Композиция эпохи Возрождения — гармоничная и уравновешенная, части сбалансированы относительно средней оси. Композиция барокко избегает строгого равновесия: справа расположено больше фигур, чем слева, или только одна часть полотна освещена.
Художникам XVII века классическая форма, основанная на геометрии, казалась скучной, придуманной, лишенной жизни. «Расшатывая» композицию, отказываясь от системы осей, они добивались напряжения и подвижности. Чтобы картина выглядела не как картина, а как мгновенный снимок действительности.
В основе тектонического стиля Ренессанса — упорядоченность, пропорциональность и неподвижность. Атектоничность барокко — это раскрытие замкнутой формы, изменчивость, нарушение правил (или их маскировка).
Особенно хорошо это заметно в скульптуре Бернини: каменные фигуры как бы вырываются из плена материи и парят в воздухе, сопротивляясь не только правилам искусства, но и законам природы.
Множественность vs единство
На возрожденческой картине отчетливо изображено всё: фигуры, предметы и детали интерьера или пейзажа. Каждый из объектов самостоятелен, его можно «изъять» из картины и рассмотреть отдельно. Художник не жертвует частностями ради целого. Множественность, характерная для Ренессанса, подчиняется строгим правилам гармонии, поэтому композиция выглядит целостной.
Принципиально иначе устроено барочное полотно. Зрителю сразу ясно, куда смотреть, взгляд не блуждает, поскольку художник не дает ему выбора — смысловые акценты уже расставлены. Основное на картине выделяется светом, всё второстепенное уходит в тень, прописано менее тщательно, не обладает самостоятельностью.
Это соответствует, опять же, естественному оптическому восприятию, когда в фокусе зрения оказывается только самое важное, остальное «оживает» в голове смотрящего.
Чтобы композиция не «разваливалась» в отсутствие формальных законов гармонии, живописцы барокко подчиняют элементы одному мотиву, направлению движения, используют светотень, темный фон, связывающий фигуры. Например, даже самые многолюдные полотна Рембрандта оставляют впечатление единства и собранности, изображенные на них группы неразрывно слиты.
Ясность vs неясность
Картины времен Ренессанса будто залиты равномерным светом. Этот свет выявляет контуры предметов, позволяет ясно видеть даже мелкие детали, которых мы не заметили бы в естественных условиях. Совершенная форма, изображенная художником, предстает перед зрителем во всём великолепии и дает тщательно рассмотреть себя.
В барокко ясность не самоцель. Задача художника — показать предмет не таким, какой он есть, а таким, каким он кажется. От этого он выглядит более настоящим, почти осязаемым.
Зрительный опыт позволяет нам достраивать фрагменты, на которые живописец только намекает. На религиозных картинах Франсиско де Сурбарана фигуры святых теряются в окружающем мраке, их одежды сливаются с фоном, лица скрыты капюшонами. Однако это не мешает восприятию, напротив, усиливает эмоциональное напряжение.
Любовь искусства барокко к оптическому обману, размытию границ, изображению полумрака и тумана предполагает непостижимость мира: как видимого, так и невидимого. Красота, по крайней мере доступная человеку, — в тайне, в ускользании, в постоянной изменчивости.
Историки искусства считают, что рождение барокко — результат мировоззренческого надлома на переходе от Средневековья к Новому времени.
Великие географические открытия, идеи Коперника и Галилея буквально перевернули представление о мире. Ренессансного человека, с его идеалами абсолютной гармонии и ясности, выбросили из центра вселенной на милость загадочной природы. Реформация и Контрреформация, вражда католиков и протестантов порождали чувство богооставленности.
С одной стороны, живопись барокко обратилась к мистическим сюжетам, видениям святых, экстазам и страстям; с другой — к образу простого, приземленного человека. Одни и те же художники писали картины на религиозные и античные сюжеты, портреты монархов, шутов и посетителей трактиров.
Художественные приемы, разработанные в эпоху барокко, способы изображать свет и движение позже использовали импрессионисты.
С изобретением фотографии и видеосъемки барочные находки пересадили на новую почву, где они быстро прижились — благодаря способности управлять вниманием и создавать эмоциональные образы. Законы зрительного восприятия, которые виртуозно использовали художники XVII века, остались теми же, что и четыреста лет назад, так что картины Рембрандта и Караваджо по-прежнему восхищают и заставляют спрашивать: как же это сделано?
Источник: knife.media